Algo que siempre viene como un rumor y se convierte en pregunta de clase, en un pasillo, en un correo: ¿cuáles son los mejores videoclips musicales de la historia?
Tarde o temprano, así las pistas lleguen a borbotones inundándolo todo en algún salón, siempre llega esa pregunta cada semestre en todas las universidades donde enseño esta materia. “Deme un top por favor”, en esencia.
La respuesta suele ser diferente porque depende desde dónde se mire, de la técnica, del artista, del tipo de música, del montaje, de la perfecta redundancia rítmica, de la historia, de lo que se produjo ese año, de si fue hecho por un director de cine, de cómo están las hormonas ese día para aguantar color o decibeles y hasta de cómo está el clima en ese momento. Nunca la lista sale igual.
Jamás. Y el orden menos.
Es un estado mental y espiritual pasajero. De hecho en la última que hice, el número uno fue “Strawberry Fields Forever” de los Beatles, con todo y la explicación que ello amerita dentro del mundo del video musical. Hoy en este listado, consecuentemente, está borrada está posibilidad. Ni siquiera aparece esta canción.
Para algunos será aburridor saber, por ejemplo, que no estarán “Sledge Hammer” de Peter Gabriel, “Thriller” de Michael Jackson, “Bohemian Rapsody” de Queen, “Smell Like Ten Spirits” de Nirvana, “Vogue” de Madonna, “Enter Sandman” de Metallica, “We Used to Wait” de Arcade Fire, ninguno de Bjiork, Daft Punk, Guns and Roses, White Stripes o de OK Go
Aunque mañana me voy a arrepentir (o a sonreir mucho) por no incluir otros diez, o haber puesto al cinco de cinco, hoy la lista sale así:
10. “Hurt” de Johnny Cash. Mark Romanek. 2.002.
La leyenda viviente, el hombre de negro, el gran ícono del country estadinense se dejó retratar en este video, con una canción de Trent Reznor, tan cargada de significado, por el director Mark Romanek (Michael Jackson, Audioslave, Lenny Kravitz, Madonna, Beck, Jay-Z, Nine Inch Nails) Quien decidió hacer un recorrido en el tiempo usando la carrera de Cash. Cosa que resultó ser un trabajo intimista sobre la verdad de un anciano que resume su vida a los 71 años. Algo parecido a un obituario dijeron algunos.
La cosa es que unos meses después se convirtió en realidad este viaje por el borde del fin de una vida. Cash murió y tres meses después su esposa lo siguió. Por ello este trabajo es uno de los más conmovedores. Sientan su fuerza:
9. “Freak on a Leash” de Korn. Todd McFarlane, Jonathan Dayton y Valerie Faris. 1.999
Es una de esas canciones que contaron con el apoyo de los medios y el video tuvo la suerte de ser visto sin que todo el mundo entendiera exactamente su mensaje original, el cual era poder protestar por el abuso de las disqueras hacia los artistas. Todo ello sin ser vetado. Aunque no es tan simple de entender, una vez explicado el sentido todo encaja perfecto.
Piensen desde dónde sale la bala, el recorrido que hace y cuál es el desenlace. Juntar las dos realidades con dos técnicas diferentes fue un gran acierto de forma para el fondo. Es simplemente precioso.
8. “Black Hole Sun” de Soundgarden. Howard Greenhalgh. 1.994.
Lo sorprendente de la simbiosis entre la banda sonora y la banda icónica en este caso, es que todo el surrealismo de la canción está perfectamente representado (interpretado), por las situaciones producidas por la dirección. El juego de palabras en un área no claramente identificable, tiene en el mundo real propuesto un case apocalíptico que cierra el sentido.
Así sea un juego de palabras, el director encontró el match perfecto, para el mismo juego del compositor, con las imágenes. Es extraño que el mismo Greenhalgh haya dirigido el homenaje de la banda británica Skunk Anansie con la canción “Lately” a este video. Es curioso repetirse de esta forma, pero esa es otra historia.
Vean el mundo creado para esta canción en la versión que salió al aire. La original necesitó de muchos retoques que arreglaron con un montón de efectos evidentes todo el tiempo. La original no es tan “cool” como esta. Otros guiños bonitos para los fans siempre aparecen en este tipo de trabajos. Por ejemplo detallen el collar de Cornell y busquen en las fotos de Blind Melon:
7.”Drop” de The Pharcyde. Spike Jonze. 1.995.
Es uno de los mejores videos logrados haciendo actuar a los artistas hacia atrás y luego cambiando la dirección para obtener efectos de movimiento sorprendentes. Hay tantos que hacen esto hoy día, que ya no es ninguna novedad. Ellos llenaron de “groove” la dificultad que resulta de caminar bien hacia atrás para que no parezca raro cuando se cambia de dirección en edición.
Esto me encanta porque a veces la exageración es la respuesta. Además admiren el trabajo que hicieron los muchachos ensayando con especialistas en la lengua para poder cantar al revés. El cameo de los Bestie Boys es bastante obvio ya que la canción tiene un “sample” del corte “The New Style” de su autoría. Me encantan las decisiones que tomó Jonze para armar los momentos. Parece simple pero tiene algo de veneno en la técnica.
6.”Save Me” de Irma. Xavier Maingon y Marc-Antoine. 2.014.
Este es un video nuevo y entra en la lista nítido debido a lo difícil que es hacerlo. Entre más actores colaborando, más complejo se torna. Lo curioso del asunto es resolverlo en una toma y que resulte agradable o atractivo para la audiencia.
Lo usual con planos secuencias y tomas únicas largas es que se debe tener cabeza para planear, paciencia para soportar los errores (y repeticiones), cuando se está cada vez más cerca del objetivo y un sentido de saber hacer equipo que va mucho más allá de lo normal que cuando se hace mucha fragmentación.
Para lograrlo, desde luego se necesitó, además de planear y hacer las proyecciones, de más de treinta ensayos para que la cosa quedara como la dirección quería. Es muy divertido de ver. Es un poco como el juguete nuevo.
5. “Take on Me” de A-Ha. Steve Barron. 1.985.
Barron dirigió los videos musicales de “Billy Jean” de Michael Jackson y “Karma Chameleon” de Boy George, dos de las canciones más importantes de la historia de la música. Pero sin duda será recordado por siempre por lo que hizo para los noruegos A-Ha con esta canción. Incluso sigue siendo objeto de estudio tantos años después de realizado.
El secreto de su éxito radicó en usar la vieja técnica inventada en 1.912 de la rotoscopia. Copiar cuadro a cuadro del original. Una técnica usada por las grandes compañías dedicadas a la animación y en algún momento de su carrera por cualquiera que esté en el negocio: porque es divertida y por sus resultados.
El asunto es que es lento y dispendioso. En este trabajo se demoraron cuatro meses para cubrir los más de tres mil cuadros. El resultado desde luego, es tener unos movimientos muy reales sobre los personajes originales, lo cual le dio este sabor a comic (ayudado por los encuadres aberrantes), que supo cruzar los tiempos.
Es difícil no recordar la película “Estados Alterados” de Russell. Sin duda es a la vez homenaje e inspiración. Hoy lo que más me gusta son las texturas resultantes de unir los dos mundos: el real y el de la animación. Admiren:
4. “Star Guitar” de Chemical Brothers. Michele Gondry. 2.002.
Es una delicia de canción que ustedes disfrutarán mejor si piensan, antes de que empiece a sonar, en “Starman” de David Bowie. Van a descubrir uno de sus secretos. Si alguna vez van en tren de Nimes a Valence en Francia encontrarán la mayoría del paisaje original usado para hacer el videoclip. Si piensan en el video como una representación de lo que escuchan separando cada elemento, teniendo presente melodía y los juegos simples de la armonía, van a sonreír mucho, porque sucede que cada objeto que vemos tiene una razón de ser.
Por ello este trabajo es el ejemplo perfecto de redundancia rítmica. Lo que vemos es lo que escuchamos y viceversa. Es como ver la partitura de la canción en el paisaje. Incluso los juegos de luz tienen que ver con lo que se oye. Si quieren profundizar, el video de cómo se hizo está en la web. Por ahora gócense la idea de Gondry:
3. “Closer” de Nine Inch Nails. Mark Romanek. 1.994
Reznor se convirtió en una súper estrella del rock gracias a esta canción y a que el video dirigido por Romanek fue apoyado y censurado por igual, debido a su contenido tan fuerte. La letra ya era explícita pero las imágenes lograron el mismo nivel y luego lo superaron.
Es un caso de redefinición de sentido sorprendente. Muy duro desde donde se le mire. De hecho, si usted desea ver el video oficial debe autenticar que no es menor de edad. Recuerdo que en MTV cubrían las imágenes fuertes con un cartel que decía algo así como “Imágenes Perdidas” y que editaron la música con unas frenadas del video para quitar una palabra demasiado fuerte para los estándares de la época, haciendo aparecer todo como un defecto del video mismo.
Eso me pareció muy inteligente y desde luego me hizo esforzar un montón para poder conseguir la versión sin “arreglos”. Quién pensaría en esa época, que uno de los videos de la exposición permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York es justamente este… Con lo cual entró a un nivel diferente de la lectura que cualquiera le pueda hacer. Estamos hablando de arte.
Sigue siendo brutal. Una obra de arte brutal. Lo que más me gustó desde el principio fue el tono de la luz y el color tan hermoso que tiene. Luego supe en el Museo que Romarek compró una película muy vieja para hacerlo. Demuestren que no son menores de edad primero y luego véanlo.
2. “Jeremy” de Pearl Jam. Mark Pellington. 1.992.
Es la historia del “bulling” tan espantoso que sufrió en la vida real un niño con ese mismo nombre y que un día decidió suicidarse frente a su clase completa. Es muy duro y real. Si usted es muy sensible es mejor que no lo vea. Así sea una animación no deja de ser un aviso muy fuerte contra esta clase de crueldad entre estudiantes.
Este que les presento es la segunda versión, la oficial, la de Mark Pellington y que fue apoyada por la casa disquera. La primera, la de Chris Cuffaro fue rechazada por Epic. Este video casi nunca se ve en los Estados Unidos luego de que otro niño matara a algunos de sus compañeros diciendo que estaba influenciado por el mismo. Luego sucedió lo de Columbine y por ello desapareció del mapa. En verdad si es muy sensible por favor no lo vea y pase al siguiente:
1.”Her Morning Elegance” de Oren Lavie. Lavie, Yuval y Merav Nathal. 2.009.
Uno de los videos más bellos que se han hecho en Stop Motion, técnica de animación que obligó a hacer fotografías durante dos días y a editarlo en tres semanas. Dispendioso de hacer en verdad. El cantante y director de teatro Oren Lavie hizo una obra maestra con este video clip. Hosy los sentidos dicen que este es el número uno. Contengan el aliento:
Espero los hayan disfrutado. En otro tiempo hago otra lista para poder comparar en qué va este viaje de la mente y el espíritu en relación con esta gran pasión que son los videos musicales.
Mauricio Tamayo Tamayo
